Ao longo de três longas-metragens ambientados em sua terra natal, a Islândia, Hlynur Pálmason criou uma narrativa única que revela como as paisagens e as forças elementares moldam as relações humanas. Contrapondo intimidade e solidão, sua abordagem ganha dimensão épica, especialmente em seu aclamado filme de 2022, Godland, um estudo visualmente impactante sobre a luta entre homem e natureza. Esse filme é marcado por uma espiritualidade sutil, intercalada com toques de humor inteligente e uma estranheza reminiscentes das obras de David Lynch. Essas qualidades também estão presentes em The Love That Remains (Ástin sem eftir er), embora a narrativa se concentre na desintegração de uma relação familiar.
Pálmason, que também atua como diretor de fotografia, utiliza a filmagem em 35mm na proporção Academy, garantindo que a composição de suas cenas seja impressionante neste drama sobre um casamento em crise. O filme mantém o espectador envolvido, mesmo em seus momentos mais frustrantes. Sua visão criativa resulta em imagens que servem tanto como metáforas visuais quanto enigmas abstratos. Contudo, à medida que a trama se desenvolve em uma colagem cada vez mais fragmentada de vinhetas surreais e cotidianas, a conexão emocional com os personagens pode se desfazer.
Resumo do Filme
Visualmente impressionante e agridoce, embora um pouco distante.
- Local: Festival de Cinema de Cannes (Première de Cannes)
- Elenco: Saga Gardarsdottir, Sverrir Gudnason, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Grímur Hlynsson, Porgils Hlynsson, Ingvar Sigurdsson, Anders Mossling
- Diretor-roteirista: Hlynur Pálmason
- Duração: 1 hora e 48 minutos
Uma Tradição de Dramas sobre Casamentos em Crise
O cinema possui uma rica tradição de dramatizações de casamentos em desintegração que evitam o melodrama exagerado. Filmes como Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, Scenes From a Marriage e Marriage Story se destacam nesse gênero. Entre os exemplos mais notáveis da última década está A Separation, de Asghar Farhadi, que se apresenta de forma moralmente complexa e culturalmente rica. Em contraste, Our Time, de Carlos Reygadas, é um exemplo menos recompensador, sendo considerado por muitos como uma jornada autoindulgente.
Assim como o filme de Reygadas, a nova obra de Pálmason apresenta membros de sua própria família — seus três filhos — que trazem uma espontaneidade autêntica, resultado de crescer ao lado de um pai que frequentemente tem uma câmera em mãos. O diretor valoriza mais a construção de caráter, o humor e a atmosfera do que a trama propriamente dita, e a narrativa idiossincrática deste filme cobre suas falhas, embora às vezes as amplifique.
Sinopse de The Love That Remains
O filme começa com uma cena impactante: um telhado sendo levantado de um armazém vazio por um guindaste, flutuando brevemente como um OVNI antes de ser retirado de cena. Este espaço é o antigo estúdio da artista visual Anna (Saga Gardarsdottir), e sua demolição simboliza o desmoronamento de seu mundo. Anna tenta equilibrar sua vida como mãe de três filhos enérgicos — a adolescente Ída (Ída Mekkín Hlynsdóttir) e os irmãos pré-adolescentes Grímur e Porgils (Grímur e Porgils Hlynsson) — com sua busca por reconhecimento artístico.
O processo criativo de Anna, influenciado pela própria experiência de Pálmason, é físico e intenso. Ela cria suas obras ao ar livre, utilizando materiais expostos aos elementos, permitindo que a natureza se torne parte do processo artístico.
Desafios e Conflitos
O filme não revela claramente o que causou a separação de Anna e do pai das crianças, Magnús (Sverrir Gudnason), que já vive separadamente quando a história começa. Ele passa longos períodos no mar, pescando, sugerindo uma negligência nas responsabilidades parentais. As cenas entre eles refletem uma coexistência desconfortável entre homem e natureza, com Magnús lidando com sua crescente solidão, enquanto aparece inesperadamente na casa da família, criando um ambiente tenso e confuso.
As tentativas de Anna de avançar profissionalmente se tornam evidentes em uma sequência em que um galerista sueco (Anders Mossling) visita seu estúdio. O desinteresse do galerista por seu trabalho, combinado com suas observações superficiais, realça a frustração de Anna, que se sente ignorada e desvalorizada. A interação entre eles é marcada por um humor ácido que revela a desilusão de Anna com as promessas vazias.
Momentos Cotidianos e Fantasia
Um elemento visual recorrente no filme é o espantalho que os filhos montam no campo, que se transforma em um símbolo de transformação ao longo das estações. Este espantalho se torna um alvo de suas brincadeiras, prenunciando um acidente alarmante no final da narrativa. Apesar das intervenções fantásticas, é a simplicidade dos momentos cotidianos que mais ressoa. Cenas de Anna e as crianças assistindo TV, fazendo caminhadas em família ou brincando no gelo trazem uma sensação de normalidade e afeto, contrastando com a tensão da separação.
Por mais que os elementos surreais sejam imaginativos, é a magia dos momentos simples na vida de uma família fraturada que realmente se destaca. O filme de Pálmason oferece uma observação melancólica e sensível sobre o que significa amar e perder, destacando a resiliência e a complexidade das relações humanas.
Fonte: Hollywood Reporter
